Cinéfilo – Uma Arte Além da Diversão

Artigo compartilhado do site MAXIVERSO, de 27 de setembro de 2017  

Cinéfilo – Uma Arte Além da Diversão
Por Rodrigo Rodrigues

 Antigamente, os cinéfilos que procuravam se aprofundar um pouco mais sobre um filme através das críticas, ficavam a mercê de poucas publicações periódicas, ou senão, as opiniões vinham dos críticos de grandes veículos, cujas análises não eram tão aprofundadas e embasadas em linguagem cinematográfica em si (não que esteja errado, mas para minha visão de crítica de cinema isso é pouco).

Com o advento da Internet, centenas de blogs e sites se multiplicam na rede (inclusive o próprio Maxiverso) falando sobre cinema e afins. Todavia, parece que proporcionalmente ao fato de nunca ter se falado tanto sobre cinema em termos quantitativos, torna-se cada vez mais difícil encontrar plataformas ou até mesmo críticos independentes que realmente estejam dispostos a discutir cinema como um todo; e não somente dizer sobre o grande lançamento de determinado filme de super-herói ou falar apenas se o filme é “bom ou ruim”.  Tanto que este gênero foi também um dos principais motivadores a escrever esta crônica, pois a cada crítica que publico sobre um filme baseado em HQ, por exemplo, a reação dos tais fanboys acaba tornando a discussão sobre cinema, em muitos casos, em vão.

Acredite, é desmotivador você escrever, dedicar, contextualizar, pesquisar, estruturar e revisar um texto para no fim uma pessoa comentar que “o crítico é tendencioso e prefere determinado personagem de um editora de quadrinhos em detrimento ao da outra“, discussão esta completamente inútil , irritante e até infantil. Ou, quando não, a única coisa que a pessoa atenta para um texto de quase 1.000 palavras é o número de estrelas dado ao filme. Inclusive, o Maxiverso publicou um texto sobre a tal “guerra entre Fãs x Críticos”, baseado no filme Batman vs. Superman – A Origem da Justiça.

Assim, até aos dias atuais, acho que mesmo que tenhamos excelentes sites sobre o assunto, pouco se evoluiu com relação a estes formadores de opiniões e mídia em geral em criarem um público mais crítico e que consiga enxergar um filme além de um simples entretenimento –  fazendo com que o espectador procure mais respostas que perguntas dentro de um filme – como tão bem disse o diretor Michael Haneke sobre o cinema americano. Enfim, poucos são os profissionais (ou veículos) que buscam passar um conhecimento técnico e apurado para o público, e não necessariamente somente dizer se o filme é bom ou ruim, ou se gostou ou não do filme, mas sim contextualizar a obra – tanto socialmente quanto historicamente  – através de um texto agradável de se ler fazendo o leitor a buscar mais sobre o assunto e despertando o debate sobre determinado assunto. Para cada site que se preocupa em desenvolver um público com consciência cinematográfica, existem outros tantos que apenas passam um informação de maneira superficial, agressiva , por vezes infantilizada querendo chamar mais atenção que o próprio filme em si.

Se gostamos ou odiamos um filme, isso aconteceu por uma série de decisões dos realizadores que levaram àquela sensação que tivemos ao vê-lo,  até porque boa parte do que acontece dentro do cinema (filme) foge do empírico.

Ademais, para minha imensa decepção, percebo que muitos ditos críticos que preenchem, por exemplo, as cabines de exibição para imprensa (e sites), apesar de terem bom conhecimento para discutir um filme como alguém que ama o cinema (algo obrigatório para exercer o papel de crítico), parecem negligenciar muitos aspectos técnicos e humanos quando analisam uma obra. Assim quando vejo um filme que apresenta claramente problemas em sua narrativa e algumas pessoas sequer identificam conceitos básicos de um roteiro – algo comum, por exemplo, em um filme baseado em livros, me pergunto o que vale meu esforço em estudar sobre o assunto se o tal “crítico” usa como único argumento que a obra não está fiel a fonte de inspiração. Fora que tal conceito acaba refletindo em parte do público e obscurecendo a visão sobre o cinema em si, pois vão criando um público que começa a achar “chata” uma crítica com análises técnicas e que procure desenvolver um tema.

Eu escrevo sobre filmes aproximadamente há mais de cincos anos e ao pegar um texto de 2012, por exemplo, e um atual, é inegável e óbvio que evolui. Todavia, jamais poderia sequer supor que sou um grande crítico de cinema, mas continuo sempre estudando sobre a matéria, fazendo cursos e, claro, assistindo o máximo de filmes possíveis (principalmente os ditos “antigos”) para cada vez mais ter referências (lembrando que isso não me isenta de erros que possam surgir, facilmente identificados por alguém mais experiente talvez. E caso aconteça, devo ter humildade pra reconhecer tais falhas e limitações)

Contudo, citarei abaixo alguns itens que acho interessante para alguém que realmente “deseja” se tornar um cinéfilo e diz gostar de cinema. Lembrando que não se trata de um manual de conduta, pois cada um gosta e vê o filme que bem desejar; mas o cinema precisa que seu público o compreenda, assim como o respeite como arte com uma linguagem própria e que permita – como expressão artística – se “aproveitar” do público e vice-versa, do mesmo jeito que o público de uma peça ou musical aproveita mais o espetáculo se entender a estrutura da arte em si. Para mim esses itens deveriam sempre permear as opiniões de quem realmente se diz cinéfilo, pois acabariam indiretamente despertando a discussão sadia.

“O Cinema é, antes de mais nada, uma arte, um espetáculo artístico. É também uma linguagem ética, poética ou musical, com uma sintaxe e um estilo, é uma escrita figurativa, e ainda uma leitura, um meio de comunicar pensamentos, veicular ideias e exprimir sentimentos (…). Fazer um filme é organizar uma série de elementos espetaculares a fim de proporcionar uma visão estética, objetiva, subjetiva ou poética do mundo, com coisas, e não com palavras, numa linguagem que cabe a nós decifrar. O cineasta oferece-nos uma visão pessoal, insólita e mágica do mundo.” (Estética do Cinema, Gerard Betton).

Repetindo: Não é minha intenção criar ou doutrinar alguém sobre seus gostos, mas sim atentar para características que acho importantes para se apreciar melhor o cinema. Assim como não estou dizendo, como crítico, que sou uma maravilha, pois cometo erros e estou em constante processo de aprendizado (ainda me falta uma infinidade de filmes para conhecer). Mas, procuro sempre manter um respeito ao cinema e às pessoas que buscam dentro dos meus textos, um pouco mais de informação sobre a sétima arte para ver um filme com um olhar mais apurado.

Assistir filmes em preto e branco e os ditos “antigos” de todas as épocas (décadas de 1910, 20, 30, 40, 50, 60…), pois estas obras moldaram o que sabemos sobre cinema hoje. Este item é algo quase impensado em jovens (e até adultos cinéfilos), pois me entristece ouvir das pessoas que “filmes em preto e branco são chatos” como se existisse algo intrínseco na obra com este formato que denunciasse sua qualidade. Portanto, veja o máximo de filmes possíveis.

Cinema brasileiro não se restringe às comédias de “globochanchadas” com o Paulo Gustavo vestido de mulher ou o Leandro Hassum gritando. Pior, ainda dizem que o cinema brasileiro é ruim (se baseando em obras como estas, realmente “é vero“). Entretanto, nossa diversidade étnica e cultural é refletida no nosso cinema, o problema é que a maioria dos filmes não chega ao grande público devido a pouca diversidade das programações. Portanto, procure um pouco sobre a história do cinema brasileiro e seus clássicos e lançamentos recentes (que não seja somente os citados acima). Você encontrará grandes filmes!

Procure ler (e ver, claro) sobre os grandes movimentos do cinema (e sua origem em si), como os filmes feitos pelo formalismo russo inspirado pelo construtivismo (Eisenstein) que foram fundamentais para o cinema tornar-se o que é hoje. Assim como a nouvelle vague (François Truffaut, Jean-Luc Godard, Alain Resnais, Agnes Varda…) e o neorrealismo italiano (Antonioni, Fellini, Vittorio de Sica…) que foram fundamentais para entender como nasceu a Nova Hollywood na década de 70 de diretores como Coppola, Scorsese, Spielberg, George Lucas, Polanski, Brian De Palma, etc…

Se realmente gosta de cinema, procure saber um pouco também sobre linguagem cinematográfica – pelo menos o básico. O que é uma montagem, uma fotografia, quais os movimentos de câmera e seus significados, o que são planos e quais existem, o que é uma direção de arte, o que torna um roteiro bom ou ruim etc. Garanto a você, sua experiência ao ver um filme será potencializada na medida em que se aprofundar. Falo por experiência própria!

Fellini e Sergio Leone, por exemplo, são fundamentais para os mais jovens que acham Tarantino (muito influenciado por Leone) o “maior gênio” que o cinema produziu – não estou dizendo que ele não seja um. Assim, como os fãs de Tim Burton (como também sou) devem procurar saber o que é expressionismo alemão que influenciou obras como “Edward, Mãos de Tesoura“. Ou seja, antes de idolatrar um diretor ou um filme, pesquise sobre o que veio antes e suas influências – e obviamente assista tais filmes. Assim, dependendo da situação, você terá mais referências e conteúdo para criticar um filme ou segmento que se julgue “visionário” como se tivesse descoberto algo novo.

Respeite atores com idades avançadas, pois os astros e galãs que são idolatrados hoje envelhecerão e suas obras serão seus legados. Infelizmente em Hollywood cada vez mais os papéis para atores mais velhos estão escassos, a ponto de estrelas como Uma Thurman (que sequer chegou aos 50 anos) e Susan Sarandon sempre ratificarem em entrevistas que os papéis na maioria não são tão bons. Isso acarreta também, principalmente nas mulheres, a obrigação de sempre se “manterem jovens” através de cirurgias plásticas (o que normalmente não dá certo como a própria Uma Thurman e Kim Basinger podem comprovar). Como diria Al Pacino: “Envelhecer em Hollywood é um mau negócio“.

Não existe um juízo de valor que separe um filme “cult” de um “blockbuster”. Todo filme é uma obra de arte, contudo, devemos saber mensurar suas qualidades, defeitos e importância.  Neste caso, o papel do bom crítico de cinema ajuda; então assista o máximo de filmes possíveis e procure analisá-los de acordo com estes critérios!

Cinema não é somente feito de filmes baseados em super-heróis de quadrinhos. Portanto, assista também filmes de outros gêneros e países. Sua cultura agradece e a discussões na Internet também. Me lembro, por exemplo, que jamais tinha ouvido falar do diretor e vencedor de dois Oscars Asghar Farhadi até o conhecer através do excelente A Separação (2012). Hoje, me tornei fã do diretor e acabei procurando seus outros filmes como os excelentes “A procura de Elly”, “O Passado” e “O Apartamento”. E não foi por causa disso que deixei de ver filmes de super-heróis!

Evite o máximo possível de informações antes de assistir um filme. A expectativa pode arruinar sua opinião sobre o longa, assim como ficar discutindo e dissecando um trailer é inútil – guarde sua capacidade analítica para durante (em silêncio) e depois do filme. Ademais, me incomoda muito ver sites publicando vídeos com a reação do público (ou deles mesmos) ao verem o novo trailer do novo filme de determinado super-herói ou determinada saga não agrega em nada. Assim, como é decepcionante, ver tantos sites se resumindo as discussões em curiosidades sobre “aguardado” trailer do novo filme do herói de quadrinhos ou fomentando debates sobre a versão de diretor “x” será melhor que do diretor “y” (adoraria que tais sites dedicassem tamanha vontade para discutir , ou pelo menos, para apresentar textos ou críticas que agregassem algum valor cinematográfico)

Cuidado com o uso destas salas XYZ-MAX super, hiper, mega modernas, como som Max Double Diamonds Stereo. Claro que conforto e qualidade na projeção destas salas são importantes e bem vindas (inclusive já tive uma percepção errada da fotografia de um filme devido a péssima projeção). Mas se o filme (diretor) não souber trabalhar os elementos cinematográficos de maneira correta, tais elementos tecnológicos na sala de exibição não servirão para nada, pelo contrário, vai piorar a experiência . Imagine assistir um filme do Michael Bay numa salas destas. É uma tortura pura passar mais de duas horas assistindo um filme do diretor com sua característica permeado com trilha sonora ao extremo, cortes rápidos e câmera balançando sem parar.

Crítica não foi feita para dizer se você está certo ou errado quando diz que gosta ou não de um filme,  e sim para agregar conhecimento cinematográfico ao leitor ao ver um filme. Mas um filme que você gosta, não é necessariamente um bom filme, pois gosto não se discute, qualidade sim. Fuja de críticos que comecem seus vídeos gritando “Faaaaala galerinha, beleeeza” (caso seja um Youtuber com milhões de visualizações e zero de preocupação com a informação que esta passando) e aposte naqueles, que mesmo que você não concorde com a opinião, procuram demonstrar através da linguagem cinematográfica (com exemplos e referências tirados do próprio filme) como chegou àquela opinião de maneira contextualizada – sem gritos ou tratando o espectador como criança.

Fuja também dos fãs e/ou críticos que dizem que não gostaram de um filme por “não estar fiel a fonte” de inspiração. Cinema é algo completamente diferente de literatura ou quadrinhos. E caso você enverede a escrever críticas sobre filmes (fora o fato de ler bastante sobre o assunto) não aja como um fã cuja discussão mais relevante é “briga” de editoras de HQ ou se a cor da sunga do uniforme do herói é a mesma da saga “tal”. Nestes casos o que deve ser respeitado é a essência do personagem, assim consequentemente o resto virá de maneira natural. Até porque sendo “baseado” (palavras que as pessoas ignoram), o roteiro de um filme deve ser algo completamente novo e não é obrigatório seguir a risca sua fonte de inspiração.

Caso ache um filme “chato”, “não aconteceu nada” ou “esquisito”… Ponha o cérebro para funcionar e procure antes se perguntar “o que o diretor quis passar com a obra” (não estou dizendo que você é obrigado a gostar dos filmes, ok?). Clássicos como “2001” de Kubrick, “Solaris” de Tarkovsky, os filmes de Antonioni (“A Noite”, “A Aventura” ou “Deserto Vermelho”) ou Bergman (“Sétimo Selo”, “Morangos Silvestres” ou “Sonata de Outono”), assim como os mais recentes “O Homem Duplicado” e “A Chegada” de Dennis Villeneuve, por exemplo, possuem grandes discussões sobre o aspecto humano. O diretor e dezenas de profissionais não gastariam seu tempo à toa (apesar de que alguns blockbusters o fazem, mas isso é outro caso) para fazerem tais filmes. Pelo contrário, fazendo obras com uma abordagem “não convencional” e se preocupando em desenvolver seus personagens, mostram total confiança e respeito na capacidade cognitiva do público. Ponha o cérebro para funcionar, pois sua interpretação (baseado em elementos visto no filme) sempre será válida e poderá levar a outros aspectos jamais imaginados em conjunto com outra visões, até porque (devo ratificar) tais filmes estão discutindo aspectos humanos.

Antes de repetir o velho chavão “Hollywood hoje em dia só faz filme de super-heróis”, se pergunte quantos filmes deste gênero disputaram o Oscar de melhor filme nos últimos anos. Ou seja, o problema não é que o cinema somente produz isso, você que vai pouco ao cinema. Para ter uma ideia, dos últimos 40 filmes no qual publicamos um texto, apenas quatro ou cinco eram baseados em HQs (fora que no ano de 2017 estão programados aproximadamente sete ou oito filmes do gênero, portanto…). A impressão de que somente se faz filme de super-heróis se deve pelas campanhas de marketing e os fãs, que perpetuam as informações na rede.

Bilheteria não é sinônimo de qualidade. Não estou dizendo que um filme que arrecadou centenas de milhões seja ruim, pelo contrário. Entretanto, usar a receita de um filme como resposta para aquele amigo (ou crítico) que falou mal de seu filme preferido do último mês (e apresentou os motivos para tal) é um erro. Do mesmo modo, filmes com orçamentos menores, em muitos casos, são melhores que aqueles que custam 200, 300 milhões. Lembro que quando mais jovem ficava indignado quando alguns críticos ficam falando mal dos filmes que via (normalmente grandes produções) e ficavam elogiando filmes de diretores que pouco tinha ouvido falar. Eu achava tais profissionais altamente arrogantes, mas hoje, eu me arrependo de não ter descoberto na época (ou pelo menos no início da minha vida adulta) diretores como Antonioni, Fellini, Godard, Bergman, etc…

Ver um filme na TV jamais substituirá a experiência do cinema. Encare o cinema como algo além de um passatempo, e sim como uma oportunidade de conhecer cada vez mais do mundo ao seu redor (assistindo gêneros e estilos diversos) num local pensando para exibir um filme, e claro, desfrutar de uma obra de arte (boa ou ruim) dentro de um local no qual, repetindo, foi pensado para exibi-lo (tanto fisicamente quanto psicologicamente). Inclusive, publicamos um artigo sobre o assunto (leia aqui). E lembrando: dublado, se possível, jamais!

Sei que pode parece redundante, mas em hipótese alguma usem celulares dentro do cinema e não fiquem cochichando como se ninguém pudesse ouvir. Demonstre respeito pelo filme (mesmo que ele não faça o mesmo) e com as pessoas ao redor.  Fico estarrecido quando um meliante acende o celular como se estivesse na própria sala de casa (chamo a atenção mesmo). Aquilo irrita e tira o espectador mais atento do filme, podendo arruinar a opinião sobre a obra em si. Cinema não é local de convívio social (não no quesito interação), então aguarde o final do filme, pelo menos, para emitir sua opinião e ligar o celular.

Procure sempre analisar o contexto social e político de um filme, como o diretor trata determinado segmento ou etnia. Assim também como o filme que está assistindo trata suas personagens femininas baseado no teste de Bechdel (se existem pelo menos duas mulheres no filme com nomes, se elas conversam entre si e se o assunto não envolva homens). Como disse o diretor Eric Rohmer: “Todo filme também é um documentário de sua época“. Portanto, numa era de luta pela inclusão cada vez maior de minorias dentro do cinema – e que este grupo possa se ver nas telas (mesmo que tardio) –  acaba tornado o cinema numa reflexo da sociedade. Assim, é triste ler comentários negativos de um filme porque a obra propõe discutir tais elementos ou realizar algum tipo de empoderamento como se isso não fosse inerente ao cinema (seja social, racial ou sexual). O Cinema, assim como as outras expressões artísticas, não são apolíticas!

A identificação com um personagem ou filme passa um pouco distante do que o personagem realmente é, mas sim pelo fato dos conflitos e dramas dele sejam inerentes ao nosso mundo de alguma maneira (os chamados personagens bidimensionais). Assim, seguindo tal conceito, podemos identificar de maneira natural e verdadeira (através de personagens bem desenvolvidos, claro) o que eles estão sentindo, independente do personagem ser um homem, mulher, criança, mocinho ou bandido.  “O Cinema não trata exatamente dos fatos, mas sim a percepção deles”.

Quando gostar de um filme (mas muito mesmo, a ponto de dizer que é o melhor filme que já viu) pare e pense um pouco antes de espalhar isso. Não estou dizendo, obviamente, sobre o que o público deve gostar ou não, mas em muitos casos é mais falta de referência (o que poderia tornar o filme em si em “um dos melhores” e não “o melhor…”). Lembro-me ter ouvido de amigos, na época de “Gladiador”, que o filme com Russel Crowe foi um dos melhores filmes já vistos por eles. Bem, nada contra o filme, mas a ponto de ser o melhor vai uma distância enorme (neste caso se tivessem visto filmes como “Spartacus”, “A Queda do Império Romano” e “Ben-Hur”, por exemplo, a “disputa” seria mais árdua). Ou seja, as nossas referências eram limitadas.

Bem, estes foram pontos que acho importante para apreciar melhor a sétima arte. Claro que existe outros infindáveis e inúmeros pontos e questões técnicas que abrangem cada parágrafo acima, mas espero que possa ter ajudado um pouco na discussão sobre aquilo que tantos amamos.

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* Rodrigo Rodrigues - "Todo filme é político na medida em que política é toda forma de relação humana em que o poder está implicado" (Costa-Gavras.

Texto e imagem reproduzidos do site: maxiverso com br/blog

O universo das coleções cinematográficas no MIS BH

Artigo compartilhado do site CENÁRIO MINAS, de 4 de dezenbro de 2023

O universo das coleções cinematográficas no MIS BH

A nova mostra de longa duração do Museu da Imagem e do Som de Belo Horizonte - MIS BH se dedica a explorar o universo do colecionador, sujeito fundamental para o advento da indústria cinematográfica, para a história e para a memória do cinema.

Uma coleção pode ser constituída por elementos e objetos de naturezas parecidas, mas também pode operar aproximações muito diversas. No entanto, sempre há um desejo em comum: o impulso de organização dos colecionadores. A nova mostra de longa duração do Museu da Imagem e do Som de Belo Horizonte – MIS BH se dedica a explorar o universo do colecionador, sujeito fundamental para o advento da indústria cinematográfica, para a história e para a memória do cinema.

Com realização da Prefeitura de Belo Horizonte por meio da Secretaria Municipal de Cultura e Fundação Municipal de Cultura, sob curadoria do MIS BH, a exposição de longa duração “Cinema: Coleções e Outras Sensações” tem o início de seu período expositivo no dia 8 de dezembro de 2023, de quarta-feira à sábado, das 10h às 18h. Na abertura da exposição, dia 7 de dezembro, às 19h, o Bloco Queimando o Filme fará uma apresentação ao som de famosas trilhas sonoras do cinema, representando o cenário audiovisual de Belo Horizonte.

“Cinema, coleções e outras sensações” convida o visitante a desvendar o universo das coleções cinematográficas por meio do colecionador, das instituições de guarda (museus, arquivos e cinematecas), dos estúdios e dos produtores de cinema. A mostra apresenta ainda o cineasta e colecionador mineiro Armando Sábato, cuja coleção dedicada ao gênero de cinema faroeste integra hoje o acervo do MIS BH. Essa coleção nos permite conhecer a produção cinematográfica mineira que explorou o gênero que se relaciona com itens icônicos de filmes do faroeste. Outros colecionadores cinematográficos também foram convidados a partilhar suas coleções, percorrendo outros gêneros do cinema, tais como terror, cinema de animação entre outros.

Para Eliane Parreiras, Secretária Municipal de Cultura, “celebrar a trajetória do colecionismo na história audiovisual é mais uma forma de valorizar o acervo do MIS BH, que conta com mais de 90 mil itens, preserva a história do cinema nacional e promove constantes debates sobre documentação, patrimônio e difusão desse conjunto de objetos. Esta exposição é uma celebração fascinante da diversidade e do poder transformador do cinema, e cada item exposto nos conecta de maneira íntima à evolução da linguagem cinematográfica e à sua influência em nossa cultura”, destaca.

Luciana Féres, Presidente da Fundação Municipal de Cultura, ressalta a importância da exposição. “As coleções apresentadas no MIS BH revelam a riqueza de histórias e memórias que permeiam cada objeto, destacando o papel vital dos colecionadores na preservação da magia da sétima arte. Ao explorar ‘Cinema: Coleções e outras Sensações, somos convidados a uma viagem única pelos bastidores do cinema, guiados pelas paixões dos colecionadores”, afirma.

Uma jornada cinematográfica além-tela

“Cinema: Coleções e Outras Sensações” mergulha no mundo das coleções cinematográficas, destacando a importância dos colecionadores na preservação da memória e história do cinema. A exposição destaca o papel crucial dos estúdios produtores, instituições de guarda e cineastas na construção e preservação dessas coleções, apresentando uma visão abrangente e multifacetada do impacto do cinema na cultura.

A exposição explora ainda a coleção dedicada ao gênero de cinema faroeste do cineasta e colecionador mineiro Armando Sábato. Sua coleção, que faz parte do acervo do MIS BH, é um dos núcleos que integram a exposição “Armando Sábato: O Colecionador Mineiro de Faroeste”, que revela itens icônicos dos filmes do gênero, incluindo as portas de entrada de um saloon do velho oeste norte-americano.

A mostra também reflete sobre o papel do colecionador na preservação do audiovisual, reafirmando como o colecionismo desempenha uma função vital na preservação da história do cinema – muitas vezes sem ter a preservação como objetivo consciente. As coleções se tornam testemunhos do passado, conectando-se ao presente e ao futuro. A diversidade de coleções e objetos colecionáveis também é destaque na mostra, que apresenta uma variedade de artefatos, desde cartazes de cinema até discos, bonequinhos, objetos de cena, documentos de pré e pós-produção, e muito mais. Cada item conta uma história única sobre a produção cinematográfica e sua influência na cultura.

“Cinema: Coleções e Outras Sensações” também explora como diferentes gêneros cinematográficos influenciam o desejo de colecionar e inspiram a produção de itens colecionáveis. A “Trilogia do Caos”, do cineasta mexicano Alejandro González Iñarritu, baseada no Expressionismo Alemão e na Teoria do Caos, é apresentada como um exemplo de produção cinematográfica que gerou objetos colecionáveis.

A exposição também aborda a importância da acessibilidade no audiovisual, destacando práticas como audiodescrição, libras, objetos de cinema táteis, entre outros, para garantir que a cultura cinematográfica seja acessível a todos. “Cinema: Coleções e Outras Sensações” explora a coleção a partir do cinema como um prazer, mas também como uma ação fundamental que contribui para a atuação dos museus e centros de memória na pesquisa e salvaguarda da história do cinema.

Museu da Imagem e do Som – MIS BH

O Museu da Imagem e do Som de Belo Horizonte – MIS BH – tem a missão primordial de garantir o acesso aos acervos audiovisuais representativos da produção local, trabalhando na perspectiva de sua preservação, englobando a catalogação, tratamento, guarda, pesquisa e divulgação. A instituição conjuga suas atividades de conservação com projetos destinados ao acesso e difusão do acervo, como ações de educação patrimonial, pesquisas agendadas, mostras de filmes, exposições e oficinas de preservação fílmica. Além disso, o MIS BH concilia o trabalho direcionado para a memória audiovisual da cidade com um olhar voltado para o presente, desenvolvendo iniciativas de apoio às novas produções e de formação na área.

O MIS BH mantém mais de 90 mil itens em reservas climatizadas com monitoramento 24 horas. Possui equipe multidisciplinar formada por técnicos em artes visuais, conservação, sociologia e cinema, que fazem o tratamento de registros nas mais diferentes tipologias: cartazes, documentos, fotografias, filmes, gravações sonoras e objetos tridimensionais. A atuação do Museu da Imagem e do Som estende-se a outras etapas da cadeia do audiovisual, tais como o apoio a novas produções, exibição e formação. O MIS BH contribui para o aperfeiçoamento de profissionais ligados ao tratamento de acervos audiovisuais, oferecendo oficinas de preservação de filmes. Visando a formação de público, oferece sessões comentadas de cinema, exibições ao ar livre, palestras e seminários. Essas iniciativas atendem às mais diferentes faixas etárias, do público infantil à terceira idade. Realizou, nos últimos anos, as mostras de longa duração “Cinejornais em Belo Horizonte” (2021/2022) e “TV Itacolomi – A Pioneira de Minas” (2018/2019), que também itinerou por dezessete centros culturais da cidade.

Texto e imagem reproduzidos do site: cenariominas com br

Associação resgata filmes raros em 16 mm.

Artigo compartilhado do site FOLHA DE S. PAULO, de 25 de novembro de 1994

Associação resgata filmes raros em 16 mm
Por Ricardo Calil

Em janeiro de 1995, ano do centenário do cinema, o Brasil vai ganhar sua primeira associação nacional de colecionadores particulares de filmes.

Os organizadores da associação pretendem levar ao público títulos raros ou pouco acessíveis, tanto no circuito comercial quanto no de cineclubes e cinematecas (veja relação em arte ao lado).

A associação vai trabalhar apenas com filmes de 16 mm, um produto hoje condenado à extinção. A maior parte dos títulos raros está em rolos com essa largura.

Abandonado pela TV (que adotou o vídeo U-Matic) e pelo cinema (que prefere filmes em 35 mm), o 16 mm perde em qualidade de imagem e som para seus concorrentes.

Mas, segundo Archimedes Lombardi, 52, um dos mentores da associação, o 16 mm tem como principal vantagem permitir "um cinema portátil, doméstico".

O projetor do 16 mm pesa 12 kg, contra 800 kg do 35 mm. Três rolos pequenos guardam um filme em 16 mm, contra seis a oito rolos grandes em 35 mm.

O primeiro passo para a criação da associação será descobrir colecionadores dispostos a emprestar seus filmes.

Catálogo

O economista Antonio Leão, 37, catalogou 300 nomes de colecionadores. Já entrou em contato com 60 deles, dos quais 15 demonstraram interesse em emprestar seus filmes –pessoas de Porto Velho (RO) a Porto Alegre (RS).

A princípio, a sala do Cineclube Ipiranga, com capacidade para 150 pessoas, localizada na biblioteca municipal do bairro, será usada para a exibição, a partir de janeiro.

Em um segundo estágio, a associação pretende procurar outros espaços, como o MIS (Museu da Imagem e do Som) e o Cinusp (cineclube da USP).

Leão calcula que a associação deverá contar com 5.000 cópias em seu início. Os colecionadores emprestariam as fitas para as exibições, mas as receberiam de volta para guardá-las e conservá-las.

Receio

Uma das dificuldades que os organizadores estão enfrentando é o medo dos colecionadores de emprestar os filmes.

Eles temem que as cópias –algumas únicas– sofram danos. E querem evitar problemas de direitos autorais, já que muitos filmes não caíram em domínio público.

Lombardi afirma que, por seu caráter não-comercial, a associação não enfrentará esse problema.

A Associação Brasileira de Colecionadores de Filmes em 16 mm terá sede em um sobrado que está em reformas no bairro do Ipiranga. Os colecionadores interessados podem entrar em contato com Lombardi pelo tel. 011/274-6318.

Cinemateca

O programador da Cinemateca Brasileira (principal acervo do país), Bernardo Voborow, apóia a iniciativa da associação.

Voborow acredita que muitos filmes dos colecionadores não podem ser encontrados nas três cinematecas brasileiras (sediadas em São Paulo, Rio e Curitiba).

 Texto reproduzido do site: www1 folha uol com br

Afinal, o que é ser um Cinéfilo de Verdade?

Artigo compartilhado do site SOU MAIS POP, de 13 de dezembro de 2025

A Paixão pelo Cinema: Afinal, o que é ser um Cinéfilo de Verdade?

Por Marcelo Kricheldorf

A cinefilia não é apenas o ato de assistir a filmes; é um mergulho profundo em um universo vasto, uma exploração apaixonada que transforma o espectador em um verdadeiro entusiasta da sétima arte. Mais do que um simples hobby, a cinefilia é um estilo de vida, uma lente através da qual se vê e interpreta o mundo.

Abaixo, exploramos as múltiplas facetas dessa paixão, desde o espectador casual ao estudioso dedicado.

No coração da cinefilia está uma curiosidade insaciável. Amamos filmes porque eles nos transportam, nos desafiam e nos conectam a realidades diferentes da nossa. O cinema tem a capacidade única de nos fazer rir, chorar, refletir e sentir empatia por personagens e histórias de culturas distantes. É uma forma de arte que combina narrativa, performance, fotografia e som para criar uma experiência sensorial e intelectual inigualável. Para o cinéfilo, cada filme é uma nova oportunidade de aprendizado e encantamento.

A jornada de um cinéfilo pode ser vista em estágios distintos, que muitas vezes se sobrepõem e evoluem ao longo do tempo:

O Espectador Entusiasta: O ponto de partida para a maioria. Aprecia uma boa história e diretores populares, frequenta o cinema regularmente e tem seus gêneros favoritos. O foco principal é o entretenimento e a emoção imediata.

O Explorador Dedicado: Começa a ir além dos blockbusters. Busca filmes estrangeiros, clássicos e independentes. Presta atenção aos nomes dos diretores, diretores de fotografia e atores coadjuvantes. Inicia a construção de um repertório, talvez usando plataformas como o IMDb ou Letterboxd para registrar o que assiste.

O Estudioso e Crítico: Este é o estágio mais profundo. O cinéfilo começa a estudar teoria cinematográfica, a história do cinema e movimentos específicos (como a Nouvelle Vague francesa ou o Neo-realismo italiano). A “Política dos Autores” — a ideia de que o diretor é o principal autor criativo do filme — torna-se um conceito central. O foco muda da simples apreciação para a análise crítica e o entendimento do filme como uma obra de arte complexa.

Ser cinéfilo não se limita a sentar em uma poltrona. Envolve:

A busca por cópias raras, edições restauradas em Blu-ray da Criterion Collection ou filmes que saíram de circulação.

Discutir, debater e recomendar filmes com amigos ou em comunidades online. A paixão cresce ao ser compartilhada.

A Memória: O cinema como biografia. Os cinéfilos muitas vezes lembram de fases de suas vidas associadas aos filmes que assistiram naquela época, criando uma narrativa pessoal entrelaçada com a história do cinema.

A era do streaming trouxe acesso sem precedentes a um vasto catálogo de filmes. No entanto, para o verdadeiro cinéfilo, isso não substitui completamente a experiência física. A conveniência do streaming é ótima para descobertas rápidas, mas o objeto físico — o DVD, o Blu-ray, e até o VHS — possui um valor de colecionador e preservação.

As plataformas de streaming têm catálogos rotativos, fazendo com que filmes desapareçam sem aviso. A coleção física perpetua a memória e a disponibilidade da obra. Além disso, a qualidade de imagem e som em mídias físicas de alta definição frequentemente superam o streaming, um detalhe crucial para quem valoriza a estética cinematográfica.

No escuro do cinema, ou no conforto do lar, cada quadro por segundo é uma declaração de amor ao cinema. A cinefilia é uma paixão que se aprofunda com o tempo e a dedicação. É a celebração de uma arte que, em suas melhores formas, reflete a própria condição humana.

Como diz o ditado, o cinema é a vida com as partes chatas cortadas, e para o cinéfilo, essa vida editada é infinitamente fascinante.

Texto e imagem reproduzidos do site: soumaispop com br

Anatomia de uma paixão

ÁLBUM 1 – Fotogramas de O mágico de Oz (1939), vários diretores, 

Os brutos também amam (1953), de George Stevens, 

e Jesse James contra  os Daltons (1954), de William Castle

ÁLBUM 6 – Fotogramas de E o sangue semeou a terra (1952), 

de Anthony Mann, e Entre o crime e a lei (1951), de Ray Nazarro

Artigo compartilhado do site REVISTA ZUM, de 21 de agosto de 2025

Anatomia de uma paixão
Por Eduardo Solon & Inácio Araujo 

Sem conhecer Eduardo Solon, é impossível imaginar o que o levou a constituir sua fantástica coleção de 30 mil fotogramas retirados de cópias de filmes produzidos entre as décadas de 1920 e 1960. Desse conjunto, o colecionador catalogou e inseriu 6 mil fotogramas em meia dúzia de álbuns cuidadosamente montados.

O que pretendia? A pergunta pode ser insidiosa. A princípio, desejava reter os filmes que viu e amou. Mas por que transformar a experiência em objeto concreto, fixo, destituído das fragilidades da memória?

Solon começou sua coleção em 1936, aos 11 anos, depois de ver Tarzan, o filho das selvas (1932), na cidade cearense de Sobral, onde vivia. A partir de então, passou a frequentar o cinema munido de um caderninho para anotar suas cenas preferidas. Terminado o filme, dirigia-se à cabine a fim de pedir ao projecionista que cortasse um fragmento de determinada cena. A obsessão custava caro, pois era necessário pagar pelo corte, e prosseguiu quando se mudou para o Crato.

Adulto, morando em Fortaleza, ampliou sua rede de colaboradores, projecionistas em sua maioria, além de donos de cinemas da cidade e região, dispostos a mutilar as cópias de filmes e enviar as preciosas imagens pelo correio. Não era propriamente uma grande transgressão, pois na época as cópias eram destruídas, por lei, ao fim de cinco anos. Paradoxalmente, os catadores de fotogramas trabalhavam para preservar a memória dos filmes e da exibição cinematográfica no interior do Brasil, e do Ceará em especial. A contravenção de Solon e seus asseclas transformava um objeto de exploração comercial em objeto de culto e memória.

No entanto, por que apenas um quinto dos fotogramas foi organizado? Por falta de tempo, ou teria Solon perdido o interesse pela coleção, como perdeu pelo cinema, cuja produção a partir de certo momento passa a desgostá-lo? Na década de 1960, ele encerrou a coleção iniciada quase trinta anos antes. No fim da vida já não costumava se aproximar das imagens ou falar muito do assunto.

Não havia mais filmes ou bons artistas, pensava. No entanto, vários atores catalogados, como Burt Lancaster, Vittorio Gassman, Grande Otelo continuavam trabalhando. Será que ele não se deslumbraria com Marlon Brando em A face oculta (1961), com Liz Taylor em Cleópatra ou com Claudia Cardinale em O leopardo, ambos de 1963?

Esse tipo de conjectura, ainda que inevitável, não nos afasta do essencial: a coleção. Toda coleção comporta um desvio de finalidade, um deslocamento da função dos objetos. “As locomotivas e os vagões reunidos num museu ferroviário não transportam nem viajantes nem mercadorias”, escreveu o filósofo polonês Krzysztof Pomian. “As chaves já não fecham porta alguma, os relógios [não marcam] a hora exata.” O que era fragmento mínimo de um filme (cada fotograma é um quadro de 1/24 de segundo) torna-se a memória do colecionador, de que seus sonhos existiram, de que sua paixão foi real.

Se no primeiro momento essa matéria é prova de memória, com o tempo ela se transforma em herança. Muitos pais não se conformam em deixar apenas bens de valor aos filhos. O que os perpetua são os gestos, as ideias, a paixão clubística. E por que não fotogramas? Mas, se fotogramas não são bandejas em que se pode servir o jantar nem estatuetas para decorar a sala, qual seria então o seu uso?

A coleção que produz memória e depois herança serve mais tarde também à história; transita do individual ao coletivo, do acúmulo à preservação. Ela permite que se leia não apenas o gesto individual do colecionador, como também sua paixão: é possível se demorar em cada página, em busca de distinguir os filmes que conhecemos dos que não conhecemos.

No conjunto de Solon, filmes B pouco conhecidos misturam-se a clássicos como E o vento levou e O mágico de Oz (ambos de 1939). Ao mesmo tempo, a atividade do colecionador, que em algum momento foi um gesto de ordenação, hoje se oferece ao cinéfilo como puro fascínio. São traços de uma arte popular, aberta aos olhos e ao entendimento de todos. Uma arte que já não existe mais, disse o cineasta franco-suíço Jean-Luc Godard: hoje o que existe são ilhas.

Isso torna mais intenso o encanto: Solon nos chama a ver, em alguns fotogramas, o que era cada um desses filmes, e atiça uma curiosidade que, na maior parte dos casos, já não pode ser satisfeita.

Discriminamos suas preferências: Tarzan, claro, e faroestes, aventuras, melodramas (mexicanos, em particular). Na coleção, Carta de uma desconhecida (1948), do alemão Max Ophüls, não vale mais do que O derradeiro assalto (1954), do americano Richard Carlson.

A raridade ou banalidade de cada imagem é irrelevante, assim como o valor que o futuro atribuiu ou não a tais filmes. Essa é a diferença entre a filatelia e, digamos, a fotogramia. Da primeira, ainda hoje encontramos sinais nas feiras de antiguidades, onde alguém pode buscar um selo raro. Sua aventura, porém, termina aí. Atrás do selo, não existe nada. Valor de troca, talvez, mas nada a ser visto.

Os fotogramas compilados, ao contrário, não contêm tudo. Seu poder evocativo consiste em nos levar, através da imagem isolada, ao mundo de cada um desses filmes, a uma era irrevogavelmente encerrada. O fascínio vem de cada fotograma, mas, sobretudo, daquilo que podemos ver além dele: filmes, sonhos, ideias, memória, história.

A fotografia é semelhante à pintura no que diz respeito a sua natureza centrípeta. É como se todo o universo necessário fosse convocado para o interior do quadro no instante decisivo do clique. Já a relação primordial do fotograma cinematográfico não é com o instante, mas com a duração. A imagem do cinema, afirma o crítico francês André Bazin, é centrífuga, ela nos leva para além do quadro, e a visão que nos oferece é sempre parcial.

Talvez não seja exagero dizer que o essencial da imagem cinematográfica é o que está fora de campo: por exemplo, se a heroína, em primeiro plano, abre a gaveta onde esconde um objeto secreto e alguém chega inesperadamente, sem que ela tenha tempo de escondê-lo, tudo o que vemos é seu rosto apreensivo. Ou quando a vítima, em um filme de terror, percorre um corredor sombrio, podemos sentir o medo em sua expressão, mas não vemos aquele que a espreita e se prepara para atacá-la.

No ensaio A câmara clara (1980), Roland Barthes escreve que “se define a foto como uma imagem imóvel, isso não quer dizer apenas que os personagens que ela representa não se mexem; isso quer dizer que eles não saem: estão anestesiados e fincados, como borboletas”. Nesse sentido, a coleção de Solon nega o cinema ou ao menos o retorce em busca de uma segunda natureza: a imobilidade no interior do movimento.

No caso da imagem de Lauren Bacall em Palavras ao vento (1956), presa naquele fragmento de 1/24 de segundo do filme. Olhar esse fotograma é como enfrentar um abismo: o tempo se imobiliza. Ao ver o filme, não é essa a sensação que experimentamos; o que nos intriga é o destino da personagem de Bacall. O fotograma imóvel na página evoca o destino da atriz: os filmes que fez antes ou depois, seus casos amorosos etc.

Desse filme de momentos tão dramáticos, Solon colheu um fotograma genérico. Não é um acaso. As imagens que ele prefere, que ocupam quatro dos seis álbuns concluídos, são invariavelmente os primeiros planos dos artistas. Quando observamos o elenco de Palavras ao vento (talvez com exceção do rosto de Robert Stack) e da maioria dos filmes catalogados, a semelhança é enorme: são quase sempre imagens neutras, em que sentimento ou expressividade contam pouco. Quase não há felicidade, dor ou apreensão neles. Aliás, parte considerável dos fotogramas provém dos letreiros de abertura e se faz acompanhar de seus nomes.

Aquilo que no cinema é fugidio, o movimento, a sensação, o perigo etc., parece não interessar ao colecionador: são coisas que fazem parte do correr do tempo. O movimento é suprimido, substituído por um instante que originalmente não existia como instante, pois não era fotográfico. O que entusiasma Solon é a imobilidade: retratos de atores e atrizes, captados como esculturas, nos quais o fundo importa pouco. Existe uma instabilidade nessas figuras, que as torna únicas: como se o ator ou a atriz pudesse fugir dali a qualquer momento. São eles o real objeto de culto da coleção, para sempre capturados pela memória.

Solon gostava de ir ao cinema sozinho, sem a noiva, para não se distrair. Cinema era lugar de namorar, mas não para ele. A sessão de cinema era similar ao ato religioso, que não admite dispersão. E os atores e as atrizes são as expressões maiores do olimpo cinematográfico, como os santos do catolicismo. Uma devoção bem caracterizada nos álbuns.

Porém, assim como na imagem dos santos, existe algo além da própria imagem. O invisível ali está representado. Por trás da imagem do santo existem milagres, martírios, nossos pedidos de intervenção para deuses maiores.

Hoje, podemos ver na coleção aspectos da distribuição cinematográfica no interior do país, em particular nos anos 1950, período de que faz parte a maioria dos filmes catalogados, e a presença forte, maior do que atualmente, de produções não americanas. Os filmes da mexicana Pelmex eram acompanhados com o mesmo cuidado dedicado aos de Gina Lollobrigida, uma das favoritas de Solon – repare na página de A mulher mais linda do mundo (1955), com a atriz detalhada em várias vestimentas! Convivem filmes e atores italianos, franceses, mexicanos e brasileiros. Isso fora do eixo Rio-São Paulo.

Pode-se até deduzir que as quatro páginas e quase cem fotogramas dedicados a O cangaceiro (1953) derivem de algum orgulho nacionalista diante do sucesso mundial do filme. É um dos casos em que se pode ver na imagem um fundo mais delineado, como quando, atrás do ator Milton Ribeiro, surge um magnífico céu à mexicana. As chanchadas, no entanto, também aparecem com destaque.

E por que, com os anos, Solon se desinteressou de vê-los, de catalogá-los? Por que não gostava nem mesmo de falar do assunto? Talvez por ter constatado que a lembrança dos filmes fugira por alguma fenda daqueles fotogramas. É provável que restassem deles não mais do que imagens mortas. Tendo essa era do cinema sido revolvida, talvez ele nem tivesse mais com quem conversar sobre Libertad Lamarque ou George Montgomery. Ou suspeitasse que eles não existiam mais… Pior: que nunca tivessem existido de fato.

Há, porém, outra explicação possível para o desgosto de Solon. Toda coleção é uma maneira de deter o tempo – o tempo que nos conduz à morte inevitável. É bem possível que, chegando a certa idade, ele tenha notado a inutilidade de seu gesto: o tempo não se detém, o cinema se transforma, seus velhos heróis são esquecidos.

Para nós, no entanto, o sentido é diverso: diante desses fotogramas travamos contato com seres reais. Para nós, eles constituem a realidade irreal dos filmes, das ficções, dos fantasmas que habitaram a tela. São história, é certo. História parcial de uma arte, de um modo de difusão e da era clássica do cinema, mas também de um homem e de sua paixão. Assim como da fé quase religiosa que esses atores puderam suscitar um dia e que, de algum modo, ressuscita nessa estranha coleção. Se ela não perenizou seus santos, produziu uma forma de eternidade para seu criador. 

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Publicado originalmente na revista ZUM #17 de novembro de 2019. À venda na loja virtual do IMS.

Coleção de Arte Contemporânea / Acervo IMS

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Texto e imagens reproduzidos do site: revistazum com br/revista-zum-17

Cineclube Ipiranga: 54 anos de atividades ininterruptas!

Artigo compartilhado do site de DIOGO DOS SANTOS, de 28 de fevereiro de 2018

Cineclube Ipiranga: 54 anos de atividades ininterruptas!

3º artigo escrito para o DIARI DI CINECLUB, revista independente de cultura cinematográfica e informação, da Federação italiana de cineclubes.

A história do Cineclubismo, no Brasil, é marcada por diversas iniciativas, geralmente espontâneas, de cinéfilos e até mesmo de cineastas, ávidos em se aprofundar nos conhecimentos sobre Cinema. Poucas dessas inciativas, porém, podem se destacar pela longevidade.

O que reputa ser o Cineclube Ipiranga um dos mais longevos, na história cineclubista brasileira, é a natureza de sua origem, estar sedimentada na atividade de colecionadores de filmes. As características que diferenciam um colecionador, do cinéfilo e do cineclubista são mais transparentes do que opacas. Todas, porém, trazem consigo os mesmos sentidos amador do verbo amar, com diria, Dostoievski, da pessoa que ama o que faz.

Todas ou quase todas as informações sobre as primeiras experiências cineclubistas, no Brasil, dão conta das etapas que consagraram os métodos utilizados para identificar um cineclube, entre outras: divulgar a atividade, assistir filmes em conjunto, debater o filme após a sessão. Sobre isso, afirma Rudá de Andrade:

“... e discutindo sobre os filmes... reúnem-se na casa de Álvaro Rocha, que colecionava filmes[1] e lá assistiam sessões como um pequeno clube de cinema...” [ANDRADE, P. 5).

Por sua vez, André Gatti, confirma os mesmos sentidos das palavras de Rudá:

“O outro local de reuniões era a casa do colecionador de filmes[2] Álvaro Rocha” (GATTI, 2004, p.128).

Ocorre que a ideia de “colecionar filmes”[3] no Brasil, pelos menos no meio cineclubista paulista, da década de 1970 para cá, quando a Federação de Cineclubes se estalou na rua do Triunfo, região que, bem antes do ciclo de cinema que ali se estabeleceu, tornou-se um dos mais importantes do Cinema Brasileiro:

[...] “... já era popularmente conhecida como “Boca do Lixo”, por razões sociais que nada tem a ver com a atividade cinematográfica” (STERNHEIM e SANTOS, 2017).

Por lá também circulavam “colecionadores de filmes”[4], constituindo um comércio “pirata”, para usar um termo atual, de cópias de filmes, que seriam incinerados ou vendidos para fábrica de vassouras, botões e escovas de dente, devido ao fim do contrato de exploração comercial dos filmes.

Em 1964, os colecionadores de filmes Archimedes Lombardi, Reynaldo Tomasevick (falecido) e Luiz Antônio Rabello fundaram o Cineclube Ipiranga, no bairro do mesmo nome, onde moravam, o local era de fácil acesso, bem servido de bondes, transporte público da época. O bairro é cortado pelo enigmático Riacho do Ipiranga, que até então dava nome a quase tudo na região. De suas margens ouviu-se o “Grito do Ipiranga” gesto simbólico da independência do País (1822), também local do Museu do Ipiranga. Ali, existiram 13 cinemas, todos com programas duplos, preços populares e salas com capacidade para até 3 mil espectadores.

“O bairro, até então, desconhecia as finalidades de um cineclube” (JORNAL IPIRANGA & CAMBUCI, 2006, p. 4)

 Os organizadores da atividade cineclubista, prometiam oferecer à comunidade, “... uma programação temática, com filmes polêmicos”, diz Archimedes Lombardi (JORNAL IPIRANGA & CAMBUCI, 2006, p. 5).

O cineclube foi inaugurado com exibição, seguida de debate, do filme ‘No Tempo das Diligências’ [Stagecoach], John Ford, 1939, numa sala cedida pelo Clube Atlético Ipiranga, rua Xavier Curado, 356, com capacidade para 400 lugares, lotada, que aplaudiu a fala sobre o filme proferida pelo palestrante Adhemar Carvalhaes, cineclubista, professor e crítico de cinema. 

Durante os oito primeiros anos, o Cineclube Ipiranga funcionou naquele Clube Atlético e, de 1974 a 1992, migrou por vários clubes sociais e espaços de ensino público e privado do bairro, quando fixou atividade na Biblioteca Pública Municipal Genésio de Almeida Moura, rua Cisplatina, 505, mais conhecida como Biblioteca do Ipiranga. Nessa fase a transição do cinema analógico para o digital já era realidade global.

É nesse período que ocorre a 22ª Jornada Nacional de Cineclubes (1989), tentativa de sobrevivência do Movimento Cineclubista Brasileiro, no fim do século passado, quando os cineclubes hibernaram, por mais de uma década. O Brasil começa a viver a chamada era Collor (sob a Presidência da República de Fernando Collor de Melo, 1989-1990). No mundo, avançava o Neoliberalismo; caiu o Muro de Berlim; houve o refluxo dos movimentos sociais, sindicais; as novas tecnologias consolidavam, peremptoriamente, o fechamento dos cinemas de rua e o surgimento dos cinemas de shopping. Crise econômica mundial e para outros, o fim da história.

Nessa fase do digital, o fator mobilidade associada ao da facilidade, foi benéfica em função da idade adiantada dos membros do Cineclube Ipiranga. Por outro lado, a perda da qualidade da imagem em comparação com a resolução, textura, e a profundidade de campo, inerentes ao cinema analógico, influenciou sobre a atividade do cineclube. Por serem também colecionadores de filmes de 16 mm, eles decidem mesclar a programação com exibições nessa bitola. Embora, a relação com o ato de ver o filme, apreciar a fotografia, ouvir, sentir, se envolver com o desempenho dos atores e atrizes, a prevalência da dramaturgia sobre a parafernália tecnológica, justificando cena após cena, na armação e resolução do conflito, permaneceu naqueles cinéfilos.

Ainda neste período (1989-2003), o Cineclube Ipiranga é um dos poucos cineclubes sobreviventes na cidade e no país. Ele mantém duas exibições semanais, uma infantil e a outra para adultos. Garante sempre a presença de convidados para os debates e, entre uma sessão e outra, exibições de fitas em 16 mm privilegiavam os filmes clássicos, até então não digitalizados.

Na gestão da prefeita Marta Suplicy - PT (2001-2004), em São Paulo, a atividade do cineclube chama atenção do, então, Secretário Municipal de Cultura, Marco Aurélio Garcia, que discute a implantação de política pública na área do cinema, referenciando nas atividades do Ipiranga. Nesse momento teve início em São Paulo, entre outros assuntos, o debate sobre a criação do que veio a ser, hoje, a SPCine[5], criada finalmente em 2014, na gestão do prefeito Fernando Haddad – PT (2013-2016).

Nas gestões subsequentes à de Marta Suplicy, a discussão sobre a criação da SPCine contou com firme resistência do, então, Secretário de Cultura, Carlos Augusto Calil – gestão Gilberto Kassab - PSD (2006-2008) e em seu segundo mandato de prefeito, então pelo - DEM (2008-2012) –, que cria as “bibliotecas temáticas”. A do Ipiranga é rebatizada com o nome de “Roberto Santos”, homenagem a um dos mais importantes cineastas da cidade e do País. O motivo principal, tanto do tema quanto da homenagem, advém das atividades desenvolvidas pelo cineclube local.

Criada a SPCine, em 28 de janeiro de 2014, implanta-se na cidade o Circuito Cultural de Cinema[6]. Esta proposta do Centro Cineclubista de São Paulo[7] torna-se realidade. A iniciativa é rebatizada com o nome de “Circuito SPCine”, um dos mais celebrados projetos da empresa. A nota irônica é que, com o surgimento da empresa, o Cineclube Ipiranga, estranhamente, perde sua sede, depois de mais de 20 anos de atividades somente naquela sala. Este fato marca definitivamente a diferença de um cineclube para um cinema comercial. A sala da biblioteca em parceria com a SPCine realiza mensalmente 64 sessões. A parceira da mesma biblioteca com o Cineclube Ipiranga realizava apenas 8 sessões, mas conseguia no total mensal, muito mais público do que com a empresa, hoje.

De 1992 até 2015, o Cineclube Ipiranga fez mais de 500 projeções, em 16 mm, além das realizadas no digital. Foram inúmeras as presenças de convidados especiais para debates e palestras sobre os filmes, principalmente brasileiros. O dramaturgo, produtor e cineasta Ary Fernandes (1931 – 2010) criador do pioneiro seriado de TV brasileiro “O Vigilante Rodoviário”, esteve com o ator Carlos Miranda, que interpretava o protagonista, para exibir um episódio dessa série de sucesso nas décadas de 1960 e 1970; o Cônsul da Polônia, levou uma orquestra de seu país, em excursão pelo Brasil, na abertura da mostra de filmes poloneses; a recuperação do filme “Corrida em Busca do Amor” (1971), de Carlos Reinchebach, tido como perdido, que se tornou motivo de grande celebração pelo público e pela crítica;  Anselmo Duarte debateu “O Pagador de Promessas” (1962), revelando orgulho e, ao mesmo tempo, tristeza por ainda ser o único cineasta brasileiro a ter conseguido a Palma de Ouro, do Festival de Cannes, há mais de meio século.

Todas as atividades do Cineclube eram gratuitas e a parceria com a Secretaria Municipal de Cultura implicava na autorização de uso do espaço, para as exibições[8]. Todos os equipamentos de 16 mm são de propriedade dos membros do cineclube.

Os “heróis” dessa empreitada – Archimedes Lombardi, membro fundador do cineclube, nasceu na cidade de Santo Anastácio, interior do Estado de São Paulo. Mudou-se para a capital paulista, onde começou a atuar em cinema, como fotógrafo de Amácio Mazzaropi[9] e, depois, em várias produções da “Boca de Cinema” – nome dado aquela área da região central de São Paulo, onde funcionavam tanto a zona do meretrício, que lhe conferiu o pejorativo apelido de “Boca do Lixo”, quanto se concentravam produtoras e distribuidoras de filmes –. Estabeleceu-se como proprietário da Estação Gráfica Romancini & Lombardi. Em 1992 tornou-se um dos fundadores da Associação Brasileira de Colecionadores de Filmes, em 16 mm [ABCF], entidade que reúne colecionadores de todo o Brasil, com a finalidade de catalogar, preservar e exibir filmes raros, em sessões gratuitas, da qual é o atual presidente. Lombardi mantém um arquivo de filmes, em película, e DVDs com mais de 5 mil títulos.

Luiz Antônio Rabello, que afastou da atividade de colecionador e de membro do cineclube, mas permanece até hoje frequentador das atividades do cineclube.

Em 1974 o economista, baixista de uma banda de rock'n'roll e colecionador de filmes Antônio Leão da Silva Neto, nascido no bairro do Ipiranga, entra para o seleto grupo do Cineclube e intensifica uma de suas habilidades de cinéfilo: catalogar e manter arquivado em casa: fichas técnicas e sinopses, contendo endereço do cinema, horário da sessão e comentário sobre o filme, atividade que mantém até hoje e o consagra como um dos mais importantes pesquisadores do Cinema Brasileiro, com mais de 10 livros/dicionários, que são referência para quem ensina, estuda, produz, faz e se envolve com qualquer atividade cinematográfica no País. “Super-8 no Brasil: Um Sonho de Cinema”, é seu mais recente livro/dicionário, lançado em fevereiro de 2017.

Antônio Leão é responsável direto pela recuperação de alguns filmes brasileiros considerados perdidos, entre eles: “Dominó Negro” (1949), dirigido por Moacyr Fenelon; “Corrida em Busca do amor” (1971), de Carlos Reichenbach; “O Dragão da Maldade Contra o Santo Guerreiro” (1969), de Glauber Rocha – deste último faltavam trechos do som, que foram recuperados, a partir de cópia 16 mm, desse colecionador –, entre tantos outros. Leão é talvez o único dono de um rolo de filme, provavelmente completo e atribuído a George Méliès, em película de nitrato de 28 mm, bitola criada pela Pathé, em 1912, (SABADIN, 2009).

Celso Agria integra a trupe do Cineclube Ipiranga, com uma particularidade rara. Apesar de continuar a colecionar filmes, ele afirma: “Eu gosto mais da mecânica do cinema, do que dos filmes em si; com os filmes, em película, o barulhinho do projetor fica mais interessante”[10]. Todo projetor que ele compra, modifica, acrescenta uma coisinha ou outra, chegando inclusive a fazer um modelo próprio. Sua paixão é pelo Pathé Bolex 9,1/5 e 16 mm,[11] sonoro. Volta e meia, ele brinda os amigos, com uma sessão do 9, 1/5 sonoro, cópia de nitrato, um raro momento.

Por conta de suas atividades, os membros do cineclube são muitos procurados para entrevistas, palestras, motivos de monografias, trabalhos de conclusão de cursos, e é o mote do filme: “Cineclube Ipiranga, o último dos 16 mm”, documentário que se encontra em fase de finalização, dirigido pelo autor deste artigo.

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Referências Bibliográficas:

ANDRADE, Rudá. Cronologia da cultura cinematográfica no Brasil. Cadernos da Cinemateca nº 1, Fundação Cinemateca Brasileira. São Paulo: 1962.

GATTI, André. Org. Ramos, Fernão e MIRANDA, Luiz Felipe.  Enciclopédia do cinema brasileiro. SENAC, 2ª edição. São Paulo: 2004.

SANTOS, Diogo Gomes; STERNHEIM, Alfredo. O Valor das homenagens, In: artigo sobre a premiação do Memorial do Cinema Paulista, São Paulo: 2017.

Jornal “Ipiranga & Cambuci”, São Paulo de todos os tempos. São Paulo: 2006.

SABADIN, Celso.  Vocês ainda não ouviriam nada – A barulhenta história do cinema mudo. Summus Editorial, 3ª edição. São Paulo: 2009.

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[1] - Grifo do Autor

[2] - Grifo do autor

[3] - O hábito de colecionar cópias de filmes, pode ser comparado com o de colecionar objetos de arte. (NOTA DO AUTOR).

[4] - Terminologia utilizada também, por alguns, como subterfúgio para encobrir um negócio clandestino, como venda e revenda de cópias dos filmes. (NOTA DO AUTOR).

[5] - SPCine - Empresa de Cinema e Audiovisual de São Paulo - é uma empresa pública de economia mista, lotada na Secretaria municipal de Cultura da cidade de São Paulo, com dotação orçamentária majoritária da Prefeitura, com verba do Governo do Estado e Federal.

[6] - A proposta de criação de um “Circuito Cultural de exibição de Cinema no Brasil” é uma proposição antiga do Movimento Cineclubista Brasileiro, que remonta à criação da Distribuidora Nacional de Filmes para cineclubes [Dinafilme], desde sua fundação em 1976. (NOTA DO AUTOR).

7 - Centro Cineclubista de São Paulo, foi criado como um dos suportes da Rearticulação do Movimento Cineclubista Brasileiro, ocorrido em 2003.

[8] - Ao termino deste artigo, Lombardi anuncia à amigos, que a SPCine os procurou. Expectativa do Cineclube Ipiranga voltar a funcionar na Sala da Biblioteca Ipiranga. Aguardamos!

[9] - Mazzaropi, como era conhecido, tornou-se um fenômeno de bilheteria do Cinema Brasileiro. Interpretava um único personagem, um caipira inspirado na literatura do escritor Monteiro Lobato: era ator comediante, oriundo do circo, era também cantor e produzia seus próprios filmes dos quais era, roteirista, diretor e distribuidor.

[10] - Um projetor funcionando sem o filme, o som (barulhinho), é mais estridente, seco, agudo. Funcionando com o filme o barulhinho é mais harmônico, suave. (NOTA DO AUTOR)

[11] - Pathé Bolex 9,1/5 é um modelo de projetor, fabricado na Suíça, muito pesado, dividido em duas partes, a de baixo com motor e amplificador de som. A parte superior com as engrenagens mecânica de projeção, equipamento cheio de novidades tecnológicas, para a época. (NOTA DO AUTOR)

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Texto e imagens reproduzidos do site: diogo-dossantos blogspot com

Coleção Preciosa de Ferdinand Willi Flick

Acervo de Ferdinand Willi Flick (1934-1997), um apaixonado pelo cinema. 

Durante 52 anos, Ferdinand Willi Flick (in memoriam), técnico de refrigeração conquistense, colecionou itens de cinema que constituem o Acervo Willi Flick, composto de raros recortes de películas de projeção (chamadas por ele de filmogramas), cartazes, pôsteres, panfletos antigos dos cinemas de Vitória da Conquista, recortes de jornais, revistas e outros tantos materiais que contam parte da história do cinema mundial e nacional e também das salas de cinema na terceira maior cidade da Bahia. Atualmente, o acervo está sob guarda do Museu Pedagógico – Casa Padre Palmeira, da Universidade Estadual do Sudoeste da Bahia (Uesb), no Centro de Documentação Albertina Vasconcelos, campus de Vitória da Conquista.

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A Coleção

Dos seus 63 anos de vida, Ferdinand Willi Flick (1934-1997) dedicou 52 a um grande amor: o cinema. Willi, como a família o chamava, era um menino de nove ou dez anos quando, na década de 1940, encontrou-se com a sétima arte, levado pelo pai a uma sessão numa sala de cinema da pequena cidade de Vitória da Conquista, no interior da Bahia. Tornou-se frequentador das matinês e amigo de um funcionário da sala de projeção, que lhe dava pedacinhos das películas de filmes, guardadas por ele em caixinhas de fósforo, começando ali, mais precisamente em 5 de março de 1945, a “Filmoteca Preciosa”, depois chamada de “Coleção Preciosa”. 

Mais tarde, trabalhou como projecionista em duas salas de cinema na cidade, o Riviera e o Eldorado, o que facilitava a aquisição dos fotogramas, que já eram então guardados em caixas de sapato e, depois, em caixas maiores, até passarem a compor álbuns, em 1950. Eram, para ele, a maior preciosidade da coleção, mas não a única. De técnico de projeção passou a técnico de refrigeração, mas continuou a juntar tudo o que podia: além dos raros recortes de películas de projeção (chamadas por ele de filmogramas), cartazes, pôsteres, folhetos antigos dos cinemas de Vitória da Conquista, recortes de jornais, revistas e outros muitos itens que contam parte da história do cinema mundial e nacional e também das salas de cinema na terceira maior cidade da Bahia. 

Entre os materiais que viriam a compor a coleção, boa parte era daqueles que seriam descartados pelas salas de cinema, os que ele recebia de amigos e clientes e aqueles que recebia por correspondência, enviados por outros colecionadores de várias partes do Brasil, com quem trocava cartas e diversos itens, a partir de anúncios publicados em revistas, em que os anunciantes informavam seus interesses de trocas (itens a serem enviados e recebidos) e seus endereços. 

    

Seu Flick, como era chamado pelos clientes, dedicava-se à coleção e a guardava em sua  pequena oficina de eletrodomésticos, na Rua 2 de Julho, a mesma da casa em que nasceu Glauber Rocha, no Centro da cidade. Faleceu em 1997, sem ver concretizado o seu sonho de mostrar numa exposição todo o material colecionado. A família recebeu propostas de colecionadores, que se interessaram em adquirir partes da coleção, mas preferiu mantê-la, com vistas a uma futura disponibilização à comunidade, para fins de conhecimento e pesquisa. 

Com o falecimento, em 2004, da esposa do colecionador, Dona Leda Flick, a coleção foi transferida da casa da família para guarda na sede do Museu Pedagógico – Casa Padre Palmeira, vinculado à Universidade Estadual do Sudoeste da Bahia (Uesb), localizada na Praça Sá Barreto, na região central de Vitória da Conquista, e, depois, no Centro de Documentação Albertina Vasconcelos, também vinculado ao Museu Pedagógico e situado no campus da Uesb. Partes da coleção já integraram exposições temáticas abertas ao público, mas ela não havia sido catalogada em sua integralidade até a realização do projeto, que inclui a exposição virtual a que este site se destina. 

Tal projeto, intitulado “Acervo Willi Flick – Catalogação, digitalização e exposição on-line”, foi aprovado no Prêmio das Artes Jorge Portugal/Programa Aldir Blanc Bahia, em 2020, com o objetivo de contribuir com a preservação da coleção de itens de cinema de Ferdinand Willi Flick e disponibilizar todo o material possível de ser exposto para consulta por estudiosos, cinéfilos, realizadores audiovisuais, colecionadores e qualquer cidadão, grupo ou instituição que se interesse pelo valoroso conjunto de materiais.

Texto e imagens reproduzidos do site: colecaopreciosa com br

65 anos de história, 40 a projetar filmes

Publicação compartilhada do site CINE TEATRO ESTARREJA, de 12 de março de 2025

65 anos de história, 40 a projetar filmes

O Cine-Teatro de Estarreja faz hoje 65 anos. A 12 de março de 1950, Estarreja via nascer um novo edifício, um projeto do arquiteto Rodrigues Lima inaugurado com a exibição do filme “Aventuras do Príncipe Charlie” (1948), de Anthony Kimmins. Um espaço que faz parte da história. Polo de atração de públicos dos vários cantos da região, tanto pelo cartaz de cinema como pelas peças de teatro e revista. José Sá, um elogiado projecionista, já que “exibia filmes na perfeição”, entregou a vida ao Cine-Teatro de Estarreja durante 42 anos de trabalho. Hoje com 72 anos, começou a trabalhar aos 13 e, mesmo a fugir da polícia, aguentou-se na cabine de projeção e dela só saiu quando o espaço fechou portas definitivamente. São “aventuras” que José Sá faz questão de partilhar, vividas na primeira pessoa, na segunda metade do século XX. O espelho de outra época entre as mesmas, embora renovadas, paredes.

Como surgiu o Cine-Teatro de Estarreja na sua vida?

Sempre gostei muito de cinema. Costumava ir com os meus pais ao Cinema Velho, que existia do outro lado da rua. Quando o Cine-Teatro começou a ser construído andava sempre a brincar nas escadas e depois, quando foi inaugurado, vinha para aqui espreitar os filmes, sem bilhete. Subia também lá cima, à cabine, encostava-me à parede e diziam-me: “Oh menino, não pode estar aqui dentro!”. Eu gostava disto. Com o passar do tempo, os funcionários viam-me tantas vezes que já diziam: “Olha, varre ali que aquilo está cheio de lixo” ou “vai pôr ali um disco para se ouvir”. E assim fui ficando.

E acabou por chegar a projecionista.

Eu vim para aqui aprender. Primeiro a aprender com a vassoura, na cabine, na altura tinha 13 anos. Estava fora da idade e, por isso, tive que me esconder da polícia, porque não era permitido trabalhar com essa idade. Entretanto, já mais à vontade dentro da cabine, ia vendo como é que aquilo funcionava. Brincava um bocadinho com a máquina sem ninguém ver. Com ela parada, claro. Via como arrancava, como parava. Mais tarde, ajudava o projecionista da altura a enrolar o filme e apagava a luz da sala, até que um dia me perguntaram se eu já era capaz de fazer a montagem do filme. Disse que sim e foi aí que comecei com essa tarefa, sempre com a supervisão do projecionista. Com o passar dos anos passei também a pôr a máquina a trabalhar.

Uma arte que aprendeu sozinho.

Ia observando e também aprendi muito em África, durante a guerra. Andava sempre com a mania das invenções. Comecei a trabalhar como ajudante de projecionista e cismei que havia de tirar a carteira profissional de projecionista, o que não foi fácil, pois era preciso ser eletricista e eu não era. Meti-me no curso de Eletricista e depois fui fazer o exame de Projecionista ao Cinema São João (Porto). Passei e fiquei projecionista de segunda. Queria ser projecionista de primeira mas, devido à localização aqui do Cine-Teatro e ao tipo de cinema que era, pois não rodava diariamente, não pude subir de categoria.

Andava sempre nas invenções?

Sempre, um dia cismei que o som não devia vir só da frente. Quando estive no Ultramar havia lá bons cinemas ao ar livre, já com stereo. Então, coloquei duas colunas na plateia e duas colunas no balcão. Era totalmente diferente. Um dia cheguei aqui, olhei para os cantos e faltavam as colunas. Estavam à altura da mão dos espetadores e devem-nas ter tirado. Não pus mais nada.

Esteve apenas no Cine-Teatro?

Estive na Murtosa uma temporada porque na altura abriram lá um cinema num clube e não tinham ninguém que trabalhasse com a máquina. Até me vinham buscar a casa e tudo. Houve também uma altura que percorria os cinemas todos aqui no Distrito de Aveiro como fiscal de bilheteira.

Era uma profissão rara?

Era e não era assim muito fácil. Quem é que quer estar preso entre quatro paredes? Quem é que se interessa por estar de volta da fita?

Em 42 anos de serviço, deve ter muitas histórias para contar. Recorda-se de alguma?

Os cortes da censura. A censura cortava os filmes. Os pedaços de filme ficavam guardados nos cofres da empresa distribuidora que não podia deitá-los ao lixo. Então, a distribuidora colava os bocadinhos e fazia bobines de 1 hora. Enviava-nos e nós passávamos. Por exemplo, depois da sessão de domingo, vínhamos à porta, víamos quem podia ver – só quem conhecíamos – e dizíamos que, a partir da meia-noite, ia haver sessão. E isto enchia. Não tinha interesse, não tinha sequência nenhuma, mas a malta gostava, batia palmas. Era uma autêntica romaria.

Como era na altura em termos de procura? Vinha muita gente ao Cine-Teatro?

Vinha tanta gente que esgotava. Na altura levava cerca de 900 pessoas e ainda se punham cadeiras normais pelos corredores fora. Eram quatro e cinco filmes por semana. Quando era um filme de classe ao domingo, passava também à segunda. A terça era o dia normal de dar cinema, depois quinta, sábado e voltávamos ao domingo. Acabava por não haver descanso quase nenhum. Além disso, os contratos obrigavam à exibição de determinados filmes. Como não tínhamos espaço para os exibir, esses filmes entravam também à terça e à quarta. Mas vinha pessoal de Ovar ver cinema aqui, de Oliveira de Azeméis e até de Aveiro, que já tinha dois cinemas. Havia uma camioneta que trazia também pessoas de Pardilhó e da Murtosa de propósito para virem ao cinema. A qualidade de imagem atraia pessoas de todo o lado.

O Cine-Teatro de Estarreja foi muito importante para o desenvolvimento do concelho. Na sua opinião, o que o levou a fechar portas?

Este espaço decaiu na altura em que a televisão começou a passar filmes. O estado do cinema começou a ir abaixo. Já chovia dentro da sala também. Depois de estar tanto tempo fechado o pessoal desabituou-se, mas as obras tinham que ser feitas.

Quando hoje entrou aqui que memória teve?

A memória daquilo que eu tinha antigamente, embora renovado. Dá-nos uma sensação estranha.

Saudade?

Muita. Eu casei-me e dizia à minha mulher - “olha, vou ter com a tua colega” -, que era a máquina. Estava casado com duas mulheres, a minha mulher e a máquina. Não fazia mais nada. Era uma doença. Gostava imenso disto. Se fosse hoje voltava tudo ao mesmo.

Texto e imagem reproduzidos do site: www cineteatroestarreja com